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陈奇艺术馆

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艺术简介
      1. 陈奇网络艺术馆简介
      2. 陈奇,字悟石,1956年出生于辽宁沈阳,旅居新加坡著名华裔油画家、国画家、双栖绘画理论创始人。其自幼酷爱绘画和音乐,曾就读于沈阳音乐学院舞台美术系、沈阳鲁迅美术学院油画系油画研究生班。曾任中国书画协会会员、中国美术家协会会员、辽宁省舞台美术家协会理事等。现为新加坡奇缘艺术中心职业画家、新加坡良一投资有限公司艺术部艺术总监、中国辽宁省鲁艺油画雕塑院专业画家、中国盛京画院艺术顾问。 艺术历程 1988年应辽宁美术馆建馆之约创作巨幅油画《灰色的梦》,并被其收藏。 1989年油画作品《人体背影》被选入在新加坡国际贸易中心举办的中国国际油画展。新加坡《联合早报》在头版发表文章,对该作品给予高度的评价,认其为中国当时最好的人体油画作品。同年又参加中国在新加坡举办的《白山黑水画展》,选送的三幅作品被当时多家画廊和机构颇为关注,均被收藏家收藏。  1990年,陈奇受新加坡鸿宇艺术中心邀请,由中国文化部派往新加坡举办油画展;后又被新加坡龙门轩画廊邀请举办个人画展。 1991年被《中国美术家大辞典》、《世界当代画家名人大辞典》收录。同年应聘在新加坡良一投资有限公司艺术部做高级顾问。 1992年陈奇在新加坡龙门轩画廊举办个人油画画展。 1994年陈奇与新加坡艺术机构去巴布亚新几内亚写生并举办画展。 1993至1999年,陈奇从研究光和色的结合切入,在此基础上创立了新光色的绘画概念——双栖绘画理论。他首先从研究西方绘画大师的作品入手,选择不同时期的100名西方绘画大师,深入分析他们绘画使用的材料和技法,并且从理论上、观念上去理解他们的绘画精神、艺术思想理念、对光色的理解和物体反射光色的效果、限定空间及情感的宣泄方式,再结合中国的传统绘画技法,以似与非似之间的模糊意识来斟酌确定画面需要与被需要之间的微妙关系,进行深刻理解和揣摩,从而创立了古典主义、印象主义和现代主义三者不等结合的个人绘画技法。在这种技法的指导下完成了双栖绘画理论体系。 1995年陈奇的双栖绘画理论在新加坡申请了国际专利。 1995年被法国驻新加坡文化参赞授予“对西方油画最有研究的华人画家”。 1996年应邀为瑞士驻新加坡大使画个人肖像,并受邀到瑞士举办个人油画展。 1996年英国著名美术评论家见其双栖绘画作品,评论说:这种绘画概论已经摆脱了中国人画油画的习惯,作品已经融入了西方世界油画的创造理念和技术。 1997年-2006年开始每年都在德国豪华游轮海上俱乐部举办小幅油画风景写生画展。 从1996年至今,新加坡万德艺术中心总裁苏先生每年都在世界各地用不同形式,不定期的举办陈奇双栖绘画作品展览。 2007年由新加坡ARE集团出资特别为陈奇水墨画举办《陈奇水墨写意画个展》 2011年受沈阳故宫博物院之邀创作巨幅油画《醉色紫禁城》并被其收藏 2011年在5月甘肃秦安举办《陈奇双栖水墨童趣写意画展》 2011年7月在广东省画院举办《陈奇双栖水墨写意画展》 2011年7月在沈阳故宫博物院举办《满韵清风陈奇双栖绘画彩墨写意画展》 2011年7月在陕西榆林参加《荣光90将军名家书画展》 2011年9月在甘肃天水举办《陈奇风景写生油画精品及双栖水墨人物写意画展》 2011年9月参加沈阳鲁迅美术学院美术馆《2011国际和平日纪念活动暨东北亚发展论坛 颂和平艺术展》 2011年12月作品入选“联合国千年发展目标中国行”大型资料文献图书《盛世中国当代书画精品典藏》 2012年1月在沈阳故宫博物院举办《流金岁月—陈奇水墨人物肖像精品画展》 2012年3月在广州参加《三亚文化之旅》大型文化活动 2012年7月至8月甘肃四地举办《陈奇水墨人物及风景山水画展》 2012年8月应沈阳市光辉现代农业示范区邀请创作《高山流水》和《长城》两张巨幅国画作品并被其收藏 2013年3月应邀参加《全国书画名家作品千米长卷》活动 2013年7月应辽宁省美协邀请参加第十四届大连艺术博览会 陈奇先生其绘画作品曾多次在美国、法国、英国、德国、荷兰、日本、澳大利亚、新加坡、马来西亚、印度尼西亚、挪威、比利时、台湾等国家举办画展,大量作品被世界各地美术馆、艺术博物馆及私人收藏家广泛收藏。作品还曾被新加坡李氏集团、新加坡IRE上市集团、新加坡同乐集团、马来西亚丰龙集团、台湾高逸集团、台湾立曜集团、香港李氏集团等机构收藏。 陈奇先生的重彩水墨写意人物画,凭借扎实的写实功力、生活基础和动漫设计特长,用独到的眼光和简洁的速写线条,聊聊数笔,就能勾勒出一个个可爱的人物形象,生动有趣,极富生活气息,特别是极具岭南画风、颇具视觉冲击的重彩人体画、母子系列画、西藏风情人物画以及风格别具、意趣天然的儿童画,深受收藏界的高度评价、喜爱和推崇。其作品系列被收藏者誉为:大简之美,童真之美,和谐之美,自然之美!!特别是《童趣》系列,简单笔墨,精深构思,自然和谐,扣人心弦!总能让人回忆起纯真、自由、快乐、美丽的童年!这些都是画家献给全社会的精神财富! 2011年,在阔别祖国二十年后,受国内一些拍卖机构和藏家的邀请,陈奇先生重返祖国,以全新的艺术面貌,来回馈关心和喜爱他作品的朋友们。他的作品将不仅会给国内艺术界创作带来一股清新之风,而且也将成为收藏界的一支有无限升值潜力的原始股。 陈奇先生的油画作品1993年《荷塘悦色》被新加坡收藏家以20万新币(合人民币百万以上)收藏;《睡莲》被台湾富商以10万元新币收藏;双栖绘画作品《人体》被印尼商人以15万新币收藏;1993年《花神》被日本收藏家以350万日元收藏;《蒲公英》被日本私人美术馆以330万日元收藏,《夏日下》被日本商人以260万日元收藏;《莲荷移梦》被台湾富商以40万元新币收藏;《月影》被新加坡收藏家以50万元新币收藏等等.... 详细>>
艺术新闻
    余晖:中国画的继承与发展

          当今的绘画艺术界对中国画的发展存在着两种认识:一种认为,中国画的发展已经停滞不前了,中国画在几千年的历史长河中,作为封建意识形态的一方面,存在于一个绝对封闭专制的社会里,同时因中国画理论的薄弱,制约了中国画的实践,使得传统中国画发展产生了“停滞”,现在已经到了“穷途末路”的状态;另一种认识则是围绕着“笔墨等于零”的观点而展开的片面理解,认为中国画现在应该“笔墨等于零”,中国画的笔墨技法已经发展到尽头了,认为“等于零了,还何谈发展”。显然,这两种认识都过于片面,有些人仅仅是根据自己的简单认识和当前中国画发展过程中遇到的一些困惑,就粗暴地得出关于中国画发展的定论,这是十分错误的。
          中国画有着悠久的发展历史,历代优秀画家都在继承的基础上不断创新,使这门艺术历久弥新。当前,对于中国画的发展问题,我们一定要有以下三方面的认识。
          一、继承是认识和理解中国画发展的前提。首先,继承与发展是相辅相成的,没有继承,谈何发展,中国画需要继承,没有继承就无法真正领会中国画的精神内涵,只会知其然而不知其所以然,甚至不知其然更不知其所以然。在继承的基础上,我们要不断地去挖掘中国博大精神的传统文化,不断地汲取中国传统文化的精髓,不断发现中国画的文化外延,才能领会中国画强大生命力的源泉所在。没有继承自然无法产生深入的理解和认识,就会产生错误的观点。比如,诗书画印的完美结合是中国画重要特点之一,也是中国四种传统优秀文化综合在一起的表现,现如今却大有人不知此物,所谓的中国画中只有画,没有题跋,没有印刻,更没有诗书,却美其名曰“创新”。再如,追求绘画艺术境界自古以来是中国画家的目标,也是中国画美的一种展现,所谓“神”者是也。东晋大画家顾恺之就曾提出“所对”“实对”“悟对”以展现“写神”“传神”和“通神”的艺术境界,如今却有人全然不懂,打着强调自我感受的旗号,用一些稀奇古怪的方式,做出一些谁也看不懂的东西,毫无章法、技法可言,却标榜表达自我、突破传统束缚等等。其次,中国画家要守得住中国画,要有自信,要好好的把中国画发展起来,让世界接受中国画。因此,我们要认真研究和发掘中国的传统文化,在中国本土博大精深的传统文化上去继承和发展中国画绘画艺术,才能摆脱盲目崇拜外国绘画艺术、一味的模仿西方、一味贬低甚至否定中国的传统国画艺术的弊病。切不要让自己熟悉的东西丢个精光,而别人的东西又没人家熟悉,最终只能一味地跟在别人后头拾人涕唾。更不要让中国画出现“墙内开花墙外香”的现象,有一位友人曾跟我说,他在荷兰参观艺术博物馆时,有位西方艺术家曾疑惑的问他,当下许多西方艺术家在创作时都希望能吸收并借鉴中国几千年的文化艺术精华,为何你们自己不去继承和发扬,反而一味地模仿我们呢? 
          二、发展的脚步永不停歇。中国画永远是发展的,永远是前进的,永远是进步的,而且是永无止尽的。首先,从辩证唯物主义哲学的高度上来看,任何事物都是不断发展变化的,中国画也不例外。事实上,绘画从最早作为生活记录和装饰的一种形式逐渐演变到具有中国社会鲜明烙印的传统中国画,本身也是一种很大的发展演变。而在中国几千年的封建社会进程中,传统中国画也发生着许多的演变和进化,如魏晋南北朝时期的中国画主要以人物肖像为主,到隋唐时期人物和山水画发展达到了一个高峰,进入宋代,写意画和工笔画又让传统中国画的发展进入了一个小高潮。此些种种,不无揭示着中国画的继承、发展和创新。说中国画发展的“停滞”,并到了所谓的“穷途末路”,不仅不科学,更有反科学倾向。其次,从传统中国画工具和载体上看,中国画也都在不断前进和发展。我们知道,最早的绘画艺术始于岩壁,再到竹简,到绢、纸张,这就是一个不断发展、演变和提高的过程。再从技法上而言,以山水画为例,唐代以前基本上以白描、勾勒为主,到唐以后慢慢出现了各种皴法,在勾勒里面又有山石的具体皴法;人物画当中原来也以勾勒为主,后来慢慢以水墨为主,再到现在的程度。当前,中国画的发展确实遇到了一些困惑,这也是任何事物在不断变化发展过程中所不可避免的,但凭此妄下结论,认为中国画就此终结,就有一叶障目之嫌。
          三、发展的方向多种多样。中国画从起源到现在,历经几千年的风雨沧桑,依然经久不衰,在社会经济文化高速发展的现代,中国画经历了一次次历史和现实、古典与现代、东方和西方文化的碰撞,呈现了新的发展趋势。一是朝着科学化方向发展,与科学进行紧密结合。在当下的中国画创作中,人们已经开始使用很多科学化手段来替代传统的绘画技巧,比如造型技术,过去完全依靠写生的技法操作,现在已经开始利用“照相”“复印”等现代化技术手段来实现;又比如国外已经出现的动画技术,通过一种类似于电影的技法进行加工,能让一副画以动态的形式展现出来,前段时间出现动态的清明上河图就是很好的例证。二是内涵元素越来越丰富。一幅画当中既包括中国画笔墨线条等多种元素,同时又包括西方块面的油画色彩方面的元素,内涵的元素越来越多,不仅仅局限于中国原来的东西,而是吸收了中西方绘画艺术中的多种元素。三是载体形式多种多样。传统观中国画一直是以丝绸、宣纸等载体为主,而当下已经开始出现布匹等其他载体。因此,未来完全有可能出现更好的载体来展现中国画的绘画艺术。四是构成形式多元化、多样化。中国画很讲究构成,从古至今,无论是在画面内容上还是笔墨分布上,中国画都讲究一个构成,当下我们看到,很多现代的一些构成法已经运用到中国画当中去了。五是朝着多肌理的方向发展。未来发展的多肌理是一个可见的趋势。当前的国画发展显然已经不满足于已有的肌理模式,人们利用材料的各种属性,利用各种手段,使载体产生各种肌理,以达到中国画表达的最佳效果。比如,台湾著名画家刘国松,在绘画的纸张中嵌入筋条,在绘画完成后又将其一一抽取出,产生了一种全新的肌理感。六是更倾向于装饰性方面发展。中国画本身就是作为装饰开始慢慢发展而来的,到了唐代变成线条勾勒为主创作绘画,后来又慢慢出现皴法,到现在出现皴法与肌理等工艺性相结合的形态。七是工艺性运用越来越多,并由此带来的全新的发展趋势已经显而易见,比如动漫的发展。八是意象性发展趋势越来越鲜明。中国画实际上是一种意境画,不像西洋画那样一画一对式。中国画来源于生活,但又不是相机式的纯粹记录、复刻生活,它不遵循复刻实际的对象,而是在实际对象的基础上加上了画家的思想感悟和人生认识,展现了作者对天地万物的理解和认识,这又高于生活。
          总之,中国画是中国几千年历史文化积淀而来的精华,是当之无愧的国粹,作为一名中国绘画艺术家,我们只有在继承中不断的去挖掘,才能为中国画赋予新的内涵,从而感受中国画的强大生命力和生生不息的发展动力。

     

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